　2025年4月に7周年を迎えたMIXIの『

』）。 　『コトダマン』は10周年を目標にした長期的な改修（リブランディング）を続けている最中で、現在もさまざまな施策が行われている。 　そんな『コトダマン』のプロデューサーを務める大槻一彦氏は、『

』を手掛けたスクウェア・エニックス 時田貴司氏から大きな影響を受けているという。 　どちらの作品も群像劇を取り入れたストーリーを採用しており、『ライブアライブ』は複数回のリメイクやリブランディングを経験しているという共通点がある両作。運営型のアプリゲームと、家庭用ゲームに違いはあれど、それぞれのクリエイターはどのような考えでリブランディングを行っているのだろうか。 　今回、『コトダマン』のプロデューサー大槻一彦氏（文中：大槻）とコンテンツディレクターの吉岡翔氏（文中：吉岡）、そしてスクウェア・エニックス 時田貴司氏（文中：時田）にインタビューを実施し、それぞれの視点からゲーム制作について熱く語ってもらったので、その内容をお届けしていこう。

写真左より、株式会社MIXI 吉岡翔氏、株式会社スクウェア・エニックス 時田貴司氏、株式会社MIXI 大槻一彦氏。

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※本稿は『コトダマン』の提供でお送りします

群像劇で生み出される多角的な物語と感情移入の秘密

――『コトダマン』、『ライブアライブ』はどちらも複数の視点で物語を描きながら、最終的にはひとつの結末に収束していく群像劇の形を取っていますよね。ゲームとしての群像劇の魅力や醍醐味というのは、どのようなものだと考えていますか？

いきなり難しいテーマですね（笑）。魅力はいろいろありますが、最後の盛り上がりというのは大きな魅力だと思います。 　僕がゲームを作り始めたファミコンやスーファミ（スーパーファミコン）の時代は群像劇ではなく、ストーリーは主人公を中心に動いていくのが基本でした。まず主人公がいて、その主人公を盛り上げるキャラや裏切り者が登場してストーリーを盛り上げていく。 　ゲームの物語に個性が出始めたのは、こうした“ゲームにおける王道ストーリーの基礎”が作り上げられた後、おそらくスーファミ時代以降ではないかと考えています。群像劇という表現もそうした中で生まれ、成長したのでしょう。そんな中で僕がもっとも大きな影響を受けたのが『

ドラゴンクエストIV　導かれし者たち

もまた、ひとりずつの視点が描かれ、最終的に全員集結するという魅力的な群像劇で、これがすごく魅力的に映ったんですよね。

各々がそれぞれの目的で動いていたのに、最後に集結するのは群像劇で最大化されるストーリー構成ですよね。現代風に言うならエモい展開。小さなエモさが積み重なって極大になる、それが群像劇の魅力だと思います。 　またエモさ以上に、それぞれの視点が描かれるからこそストーリーの本筋を多角的な視点で捉えることができ、より感情移入しやすくなるというのも大きな魅力だと思います。『

』も『DQIV』もそういった魅力に溢れた作品です。

――エモさというのは群像劇の魅力を語るうえで大きなキーワードになりそうですね。では、そのようなエモさはどのようにして生み出されるのでしょうか？　表現手法やキャラクターの描きかたについてお聞かせください

まずキャラクターの描きかたについて、時代背景も含めてその変遷をご紹介します。 　ファミコン時代はメモリ（容量）の都合もあって、主人公にしゃべらせることはほとんどありませんでした。ほかのキャラを見ても、配役はあるもののあまり個性は出せなかったというのが正直な実態です。それがスーファミになって容量が増えたことで、キャラクターを掘り下げて描けるようになり、キャラクター性という新たな魅力の出しかたが生まれたのです。 　それを証明してくれたのは『DQIV』でしたね。登場するキャラクターたちを魅力的に描いたことが高く評価され、「老若男女問わず多彩なキャラを出し、さまざまな価値観を描きましょう」と、各社が動くほど時代に大きな影響を与えました。 　そんな状況下で私が群像劇でキャラクターを描くにあたって意識したのは、それぞれの行動原理を理解し、それに則した表現をすることです。『FFIV』以前のシリーズ作品は、どこかキャラの反応が記号的で、何かが起こったときにみんなで同じリアクションを取らせるのが限界でした。しかし各キャラの個性を描けるようになってからは、それぞれの性格や行動原理に従って反応にも違いを入れるようにしています。 　各キャラクターの行動原理を理解すると、こうした細かな表現の差も生まれ、それがストーリーやキャラクター性の理解度、解像度を上げていきました。たとえば無口キャラはふだん無口だからこそ、ふとした瞬間に出る言葉に重みが生まれます。ただし「このキャラはなぜしゃべらないのか」、そして「なぜこのタイミングではしゃべるのか」というキャラの心理や行動原理を理解していないと、世界観もキャラ設定も崩壊してしまうので、慎重に扱わなければなりません。 　無口キャラはセリフがない分、容量（メモリ）を稼げるという理由で採用されることもあった性格なので便利に使われがちでしたが、僕はそこにもしっかりと意味を持った表現ができるように意識していました。

こうして表現の解説を受けて気付いたのですが、『FFIV』のダムシアン城でのシーンはまさにその表現の極地だと実感します。悲しいシーンでセリフがほとんどなく、淡々と描かれる描写ですが、その静寂が共感と感情移入を与えてくれたのを思い出しました。

　当時は本当にメモリがなかったので、セリフよりも音の使いかたを工夫していましたね。廃墟でシーンとした雰囲気を出したり、無音をどう使うかも意識していました。こうした肝心な場面で無音になる演出は、『

』シリーズでも使われている表現手法ですね。 　『DQIV』の5章で、地下に隠れているときに地上からバトルの効果音だけ聞こえる演出は「なるほどなぁ」と思わされました。

――無音やSEを使った演出は『コトダマン』でも取り入れられていますか？

『コトダマン』では機能の制限もあり、頻繁に行っているわけではありませんが、無音やボイス、BGM・キャラクターソングを使った演出はありますね。たとえばムオンというキャラクターが活躍するストーリー“此方に、有る”では、BGMに歌を挿入しているのですが、歌の進行に合わせてテキストが出る演出を入れたことがあります。歌詞がテキストで流れるキャラのセリフと対になっていて、セリフを読みながら歌も聞いて、感情移入できるような体験を狙いました。

ムオンは“すごわざ”（バトル中に発動する、必殺技に該当するもの）の演出も特殊で、演出の途中でピタッとすべての音が消える演出を取り入れています。ムオンはその名の通り、“音がない（無音）”という“ことば”を持つキャラクターなので、それに合わせて完全な無音のタイミングを作る特別な演出にしました。

「聞いて」というムオンのセリフにあわせて、BGMやSEを含めて無音になります。公式放送でこのすごわざが使われると、演者のみなさんもシーンとことばが止まることがあり、印象的です（笑）。通常、ゲームではBGMやSEが流れ、プレイヤーも操作している動的な刺激があるのが当たり前なので、無音というのは特別な瞬間です。乱発してしまうと安っぽくなってしまいますが、ここぞという場面で無音になるのはいい演出になると考えています。

曲を流すキッカケやタイミングは重要ですね。たとえば怒りのセリフに合わせて戦闘曲を流すといった手法は僕たちも使っていました。またボタン操作に合わせて曲を変えるということもしていましたね。 　プレイヤーが自分のタイミングでボタンを押し、それによって状況が動くと感情移入がしやすくなると思っています。マンガでページをめくるのと同じような感覚ですね。一見すると操作することがないような場面でも、プレイヤーは自分にとってもっとも気持ちのいいタイミングを見計らって、つぎの場面へと繋いでいく。ボタンはそのトリガーとなるので、ボタンに合わせて音を流すというのは重要なんです。

コントローラーは指示機であると同時に、なにかのトリガーになるということですね。たしかに操作とゲーム内のアクション、演出がリンクしていると、ゲームと自分自身が同期されていく感覚がありますね。

僕がよく使う手法に、セリフを三点リーダ“……”で区切るというものがあります。たとえば「お前を許さない」というセリフなら、「お前を……」、「許さない」にわけて、「お前を……」のタイミングでボタンを押してもらうんです。そして「許さない」のセリフと同時に音楽をドンと流して、一気に盛り上げる演出につなげる。 　たとえキャラボイスがなくても、音楽が流れるタイミングで感情を爆発させ、テンションを上げていくという手法を僕はいざという場面で使うようにしています。

――三点リーダ“……”やダッシュ“――”を使った、記憶に残る名台詞、名場面はたくさんありますよね。ああいったセリフをうまく見せる手法で合ったり、その生み出しかたについてもお聞きしたいです。

僕はまずシナリオを書いた後、実際にスクリプトとして実装する中でセリフや演出を編集しています。先ほど話したようにセリフを区切ってみたり、あえてセリフの一部をカットしてみたり。はたまたキャラクターの向きや動きを変えてみたり。そうすることで新しい発見やよりエモーショナルな表現が見つかることもあるんです。 　たぶんこれは、僕に演劇の経験があるのも影響しているからでしょうね。

なるほど。演劇だと演出家や役者、脚本家が稽古途中に、実際の動きを見て演出の内容を細かく調整していくイメージがあります。時田さんにとって、スクリプト入力というのは、それと近しいものなのでしょうか？

たしかに、僕にとってシナリオをスクリプトに打ち込んでいく作業は、演劇でいう稽古期間と同じ感覚なのかもしれません。各キャラクターのセリフや動きを自分で演じてみながら、少しずつスクリプトに反映させていく。そうすると、キャラの中に自分が入り込んだような感覚になって、よりよい表現が見えてくるんです。 　同じセリフでも、背中を向けて話しているのか、振り返っているのか、はたまた別の動きがあるのかによって、セリフが持つ意味や重さやその場の空気感は変わってきます。ベストなセリフ回しや演出は、実際に動かしながら模索していくのがいちばんやりやすいですね。

奇しくも、『コトダマン』でもシナリオ制作チームがスクリプトを担当しています。以前はシナリオチームとスクリプトの入力を分業していたのですが、時田さんのお話を聞いて「この手法がゲームの表現という点において、ひとつの正解なのだ」と感じられてうれしいです。

自分でシナリオもスクリプトも作っていると、演出のことを頭に浮かべながらストーリーを描いていけるので、スクリプトができるというのはシナリオライターとして大きな武器になると思います。 　時田さんが仰っていた「キャラを演じる」「入り込む感覚」という話もすごく共感しますし、シナリオを書いていてキャラをうまく自分の中に降ろせた感覚のときは、ユーザーさんの印象に残るキャラやセリフを作り出せている気がします。 　ADVというフォーマットはビジュアルノベルの系譜でRPGと異なり演出幅が狭く、さらにアプリゲームはどうしても登場キャラクター数が多くなるので、それぞれの生い立ちからすべてを説明するのは難しいです。だからといって設定などをおろそかにしてしまうと、キャラクターの感情やセリフは薄っぺらいものになり、演出もボヤけ、その薄さ・浅さはユーザーさんに見透かされます。 　しかし見えない部分であってもしっかり設計をして、書き手だけでもキャラクターの背景を理解し、その存在になりきることができれば、読み手にも伝わる熱を込めることができるのだと、ここ数年で学ばせていただきました。

――みなさんが作って来たセリフや展開の中で、会心の出来だったなと思えるものはありますか？

もはやネットミームにもなっていますが、『ライブアライブ』の「あの世で俺にわび続けろ」ですね。あのセリフのおかげでリメイクが実現したと言っても過言ではありません。あれはもともとシナリオでは別の表現だったのですが、とにかくものすごい憎しみを表現しようと考えていたときに自然と出てきたセリフでした。

ただの憎しみを口にするだけでは足りないと？

そうですね、「こんなセリフじゃ、この憎悪は伝えきれない！」みたいな。クライマックスシーンを作っていた当時はすごいテンションが上っていて、あのテンションがあったからこそ浮かんできたセリフでもあったと思います。 　とはいえ、あそこまでキャラクターに入り込み、本物の怨嗟をセリフに込められた背景には、そこまでの積み重ねがあったからこそだと思います。演技・演出のアイデアは、こうした積み重ねが生んでくれるものだと思うので、すべてをシナリオ通りに進めるよりは、積み重ねで変えていくことが重要なのかなと思っています。 　分業だとどうしても「送られてきたシナリオ通りにやらないとなー」となりがちですが、本当は状況に合わせてシナリオも演出も変えたほうがリアルなものにはなるんですよね。

私の会心のセリフは、ましろというキャラクターが、ストーリーの最後に言う「全部ちゃんと終わったんだね。私の願い、叶ったんだ」というものですね。ましろが泣きながら笑顔を見せて語るシーンなのですが、ユーザーさんからもすごい好評をいただけて、すごくうれしいです。 　自分もこのセリフを書いたときは、変なテンションになっていて。朝の4時にましろが自分の中に降りてきて、セリフを書きながら気がつけば涙がこぼれていました（笑）。

朝の4時っていいですよね。夜通し自分と戦ってきて、ようやくたどり着く地みたいな感じで。

なんか筆が進む時間帯ですよね。ましろのセリフが出るシーンはストーリー的にも“もうすぐ夜明けが来る”という場面だったので、朝日が弱く差し込んでくる部屋とましろとの状況がシンクロして、本当にキャラに入り込んだ感覚がありました。

――疲労と眠気と達成感が混ざったトランス状態に近そうですね。

30代の男が“女の子”としてセリフを紡がなければいけない瞬間がたくさんあるので……（笑）。やっぱり自分で入り込む、演じるからこそ感動を与えられるセリフや演出が生まれていくという実感はありますね。

キャラは我が子同然！ 愛されるキャラクターの作りかた

――続いて、キャラクターの見せかたというテーマでお話をお聞かせください。まず、愛されるキャラクターを生み出すにはどうすればいいのでしょうか？

吉岡さんは自分のお子さんとキャラクターを少し重ねているのかなと思っていたのですが、どうでしょう？

そんなことはないですよ（笑）。僕はキャラクターも自分の子どもだと思っているタイプですね。僕の前職は“キャラクターがすべて”というか、ゲームとしての体験よりもキャラクターが大切という特殊な会社でした。なので“どうすれば多くのユーザーさんに好きになってもらえるキャラクターになるか”はつねに考えていて、そのために、そのキャラクターの考え方、好きなこと、嫌いなこと、トラウマ、人格形成に影響を与えたエピソードなど、とにかく深掘りをしていきますね。その中から、好きになってもらえる魅力が見つかるので。 　ただ経験上わかったのは“ユーザーさんにはもちろん、男女問わず、運営にも愛されるキャラクターでないといけない”ということですね。運営が愛していないキャラクターは、愛されていない押し出しかたになりますし、ユーザーさんからも“よくいる可愛い女の子”、“ただカッコイイ男の子”という雑な認識で終わってしまいます。なので私はキャラクターたちを自分の子どものように愛し育てるという感覚で接しています。

僕はキャラクター制作ではまず、ロール（役割）から設定を構築し、そこから個性を肉付けしていく方法を取っています。まずはドライに物語上の駒として作ってから、人間性を乗せていくような感じです。 　また人間性を乗せる際には、欠点に悩んでいる設定にするのがいいと考えています。その欠点こそがキャラクターの武器になりますし、その欠点が活躍することで物語に抑揚も生まれます。

売れているマンガ家さんが同じことを言っているのを聞いたことがあります。時田さんは以前からそういった手法を理解してゲーム制作に取り入れていたんですね。

そのほうがキャラクターが育っていくこともあるので、おもしろいんですよね。とりあえず配置して本当に放置していたキャラクターが、あるときふと「この手があったか」と思えるような、予想外の活躍を見せてくれるんです。

――キャラクターを生み出す過程で、“命名”という絶対に避けては通れない大事な作業がありますよね。この点についてはいかがですか？

『コトダマン』は少し特殊で、ゲームの仕組みとして設定よりも前にキャラクター名の1文字目が決まっています。 　昔は“キボウ”とかそのままの単語を使っていましたが、最近は少しアレンジしたり、複数のことばを持たせたりしてバリエーションを持たせて名付けるようにしています。言葉から先にキャラクターが生まれるのは『コトダマン』ならではの特徴でありながらも、チャレンジしないといけない部分でもありますね。

『コトダマン』はことばの擬人化という側面もあり、“ことば”そのものが名前になるので、単語と出会うために辞書を片っ端から読むようなことをすることもありますね。たとえばもうすぐリリースを予定しているキャラクターに“うつつ”というキャラクターがいます。“うつつ”を漢字にすると“現”という字になり、本来は現実そのものを差します。ですが“夢現”と繋げて使われることから誤用されて“うつつ＝夢見心地”という意味でも使われるようになり、すでに辞書の語釈にも載っている状態です。 　『コトダマン』の“うつつ”は、この正反対の二面性を見た瞬間にキャラクター像とストーリーでの動きがどんどん決まっていきました。このように“ことば”に物語を牽引してもらう瞬間があるのは『コトダマン』らしい名前とストーリーの繋がりだと思います。

僕はプロットの段階でキャラクターをまず描いてもらって、そこからキャッチボールをして膨らませることが多いですね。

『ライブアライブ』のときは、マンガ家の方が決めたりしたのでしょうか？

いえ、基本的には全部こちらでシナリオや名前を決めています。名前については、わりと最初にカッチリと決めちゃいました。語感でつけるときもあれば、そのキャラクターの意味を持たせた単語にすることもありましたね。またそれぞれが似た名前にならないよう、アルファベットをずらしたりもするのでアルファベット経由で調べたりもします。 　やはりインパクトのある名前にしたいので、人名図鑑などでなじみのない国の名前などを調べて、気になった名前をメモして後から活用することもあります。

――名前の口触り、呼びやすさは意識しますか？

そうですね。聞いて覚えられる名前かというのも重要になると思います。

――『コトダマン』の場合は、最初の1文字が決まっているので難しそうですよね。

キャラクターの名前が性能のひとつになっている世にも珍しいゲームなので、キャラクターの名付けも自由ではないですし、苦労は多いですね……。一般的に意味を持っている“ことば”が名前になることも多く、人名（キャラクター名）として耳馴染みないものになることもあるので悩む所です。あまり捻りすぎるとアイデンティティーのはずである“もともとのことば”も見えにくくなってしまいますし。

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――続いて、リメイクとリブランディングについてのお話もお聞かせください。実際に手掛けられて、リメイクやリブランディングにおいて大事なことはどういった点だとお考えですか？

10周年を目標にした長期的なリブランディングを続けている『コトダマン』。そのプロデューサーを務める大槻一彦氏と、ディレクターの吉岡翔氏、そして『ファイナルファンタジーⅣ』や『ライブアライブ』を手掛けた時田貴司氏にリブランディングやリメイクの難しさなど、ゲーム制作のノウハウや苦労を語ってもらった。

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